58. AAFF-Programme

Diese erweiterten Kinoaufführungen, Installationen neuer Medien, Salons und Sonderprogramme waren für die

58. Ann Arbor Filmfestival | 24. – 29. März 2020

Vielen Dank an alle Künstler, Kuratoren und Koordinatoren für ihre harte Arbeit. Bitte besuchen Sie ihre Websites und senden Sie ihnen etwas Unterstützung!

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ANLAGEN

In die Enge getrieben

Raquel Salvatella de Prada

Teils Skulptur, teils Lichtinstallation, teils Videoanimation, Cornered ist eine immersive visuelle Erfahrung, die die Motivation und die Kämpfe von Migranten darstellt, die ihr Heimatland verlassen und einen meist gescheiterten Versuch unternehmen, die Grenze von Marokko in die spanischen Städte Melilla . zu überqueren und Ceuta, die einzigen europäischen Städte auf dem afrikanischen Festland. Die visuelle Bildsprache konzentriert sich auf die Ambitionen und Kämpfe der Migranten, von der Reise aus ihrem Heimatland über die vielen Versuche, nach Spanien einzureisen, und die Frustration des ständigen Bemühens, ihren Traum zu verwirklichen – den Traum von einem besseren Leben für ihre Familien.

Raquel Salvatella de Prada integriert experimentelles Video und Animation mit verschiedenen traditionellen Kunstformen, oft durch die Zusammenarbeit mit Künstlern unterschiedlicher Herkunft in Medien wie Druckgrafik, Installationskunst und Performance. Sie findet, dass die Kombination ihres digitalen Mediums mit physischen visuellen Medien eine wirkungsvolle Möglichkeit sein kann, über soziale Themen zu kommunizieren.

Fleischraum

Ian Haig

Bei Meatspace geht es um die Konfrontation des Körpers. Es ist eine Erinnerung daran, dass unsere Körper in unserer zunehmend vermittelten Realität immer noch in darwinistischen Fleischschalen und Fleischsäcken gefangen sind. Während sich der Benutzer durch eine Reihe von Fleischräumen bewegt, gibt es keine Erzählung, kein Spiel, keine Interaktion, keine Logik, kein Ende, keinen Anfang – nur Fleisch. Meatspace war ein Begriff, der erstmals Mitte der 1990er Jahre geprägt wurde. Die erste Welle der VR-Evangelisation für diejenigen, die in ihrem Fleisch gefangen sind, in den Grenzen ihrer unordentlichen und nassen Fleischkörper. Zwanzig Jahre später sind wir immer noch von unserem Fleisch gefangen, aber unsere Körper erstrecken sich jetzt durch eine elektronische Landschaft. Meatspace ist für unsere mediatisierte Welt keine separate Kategorie mehr, sondern implizit ein Teil davon.

Ian Haigs körperbesessene Themen sind in seinen Arbeiten der letzten zwanzig Jahre zu sehen, darunter Ausstellungen im Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne; Galerie für moderne Kunst, Brisbane; das Museum für moderne Kunst, New York; Artec Biennale, Nagoya, Japan; Centre Georges Pompidou, Paris; Kunstmuseum von China, Peking; und Museum Villa Rot, Burgrieden-Rot, Deutschland.

Bewegende Bilder

Bill Brown

Moving Pictures ist eine 3-Kanal-35-mm-Diaprojektor-Installation, die nach Bewegung innerhalb und außerhalb des bewegten Bildes sucht. In dieser kinetischen Skulptur wird ein von drei automatisierten Diaprojektoren erzeugtes animiertes Bild auf eine rollende Projektionswand projiziert, die sich im Galerieraum hin und her bewegt. Die Bewegungsillusion des animierten Bildes wird so in eine physische Bewegung durch den Raum übersetzt. Moving Pictures verlagert und erweitert unsere Wahrnehmung von Bewegung in bewegten Bildern von den neurophysiologischen Operationen der visuellen Wahrnehmung, bei der Bewegung nur eine Illusion ist, auf die Echtzeitbewegung von Bildern und Objekten durch den Raum. Diese Installation lässt den Zwischenraum der Projektion – den Raum zwischen Diaprojektor und Leinwand – als einen skulpturalen Raum verstehen, der in Echtzeit gestaltet, transformiert und visualisiert werden kann.

Bill Brown ist ein Medienkünstler, der daran interessiert ist, wie Landschaft gemäß menschlichen Wünschen, Erinnerungen und Träumen interpretiert, angeeignet und neu konfiguriert wird. Seine Forschungsinteressen umfassen UFOs, Denkmalarchitektur und Outsider Archäologie. Derzeit lebt er in Chapel Hill, North Carolina, wo er zusammen mit Sabine Gruffat Co-Regisseur des Cosmic Rays Experimental Film Festival ist.

Schwung

Zlatko osi

Eine Auswahl von Arbeiten von Zlatko Ćosić, einem in Banja Luka, Jugoslawien geborenen Videokünstler. Seine Kunst umfasst eine Reihe von Disziplinen, darunter Kurzfilme, Videoinstallationen, Theaterprojektionen und audiovisuelle Live-Performances. Ćosićs Kunstwerke wurden in über fünfzig Ländern gezeigt, wofür er verschiedene Anerkennungen erhielt.

Eine unangemessene Belastung

Jex Blackmore

Rund um die Uhr in der Aquarium Gallery des AAAC in der Ashley Street ausgestellt

An Undue Burden ist ein Ausdauerwerk, das der Erfahrung einer schwangeren Frau folgt, die während 24 Stunden in einem Hotelzimmer auf ihre Abtreibung wartet. Der Film schlägt eine Balance zwischen öffentlichem und privatem Bereich und zieht Parallelen zwischen einer politischen Diskussion über das intime, persönliche Leben einer Frau und dem öffentlichen Platz. Verhüllt vom privaten Raum sehen wir den weiblichen Körper als umkämpften Ort, da ihre Isolation das Alltägliche in ein lebendiges Tabu verwandelt. Mit minimalem gesprochenen Dialog treiben ihr Blick und ihre Handlungen die Erzählung voran und ermöglichen es der Geschichte einer Frau, die zwischen ihrer Unabhängigkeit und ihrer Gefangenschaft verhandelt. Wir werden daran erinnert, was geopfert wird, wenn man sein Leben für 24 Stunden (oder länger) auf Eis legt, und sehen uns in nuancierten Vertrautheiten – ein Aufruf, die Last der vorgeschriebenen Wartezeiten für Abtreibungen in einem politischen Klima zu überdenken, das die gelebten Erfahrungen von diejenigen, die direkt von diesen Vorschriften betroffen sind.

Jex Blackmore ist ein Künstler, dessen Werk die Beziehung zwischen moralisch-religiöser Rhetorik, Sexualität und politischer Politik thematisiert. Sie wurde in zahlreichen Publikationen wie TIME, Vanity Fair, The Washington Post, NPR, Cosmopolitan und Salon vorgestellt. Ihre Arbeit ist in der Dokumentation Hail Satan? von Magnolia Pictures zu sehen, die bei Sundance 2019 offiziell ausgewählt wurde.

Aufgenommene Analogien

Noel Stupek

Experimente mit schnörkellosem Ausdruck, ausweichenden Eindrücken, schrägen Konstruktionen. „Das Quadrat ist eine fesselnde Angelegenheit“ hat die Installation einen Hauch beeinflusst.

Noel Stupek ist ein Installationskünstler.

Wir erhalten uns durch die Geschichten unserer Vorfahren

Alejandro T. Acierto

Diese Arbeit wirft Fragen zur Lebensfähigkeit von Hashtag-Aktivismus in einer Ära der vernetzten Kultur auf. Durch Gesten der Anwesenheit und Abwesenheit erinnert diese interaktive Installation an das Leben und die Arbeit der Trans-Latinx-Aktivistin Sylvia Rivera, einer Frau, die sich leidenschaftlich für den Aktivismus im Zusammenhang mit Wohnungsvertreibung, Inhaftierung, Missbrauch und Einkommensungleichheit in LGBTQ-Räumen einsetzt. Im Vordergrund eines der wenigen festgehaltenen Momente von Rivera, in denen sie strukturelle Ungleichheiten innerhalb der LGBTQ-Bewegung nach den Stonewall Riots hervorhebt, scannt diese Arbeit die Twitterverse nach Instanzen von #lgbtq, um bei jedem Tweet Frames des Videos vorzurücken. An die Häufigkeit des Hashtags gebunden, friert das Bild ihres Aufrufs zum Handeln ein, wenn der Hashtag nicht mehr verwendet wird, und pausiert mit Unterbrechungen, wenn das Gespräch nachlässt.

Alejandro T. Acierto ist ein Künstler und Musiker, dessen Werk von queeren Empfindungen für Zeit und Präsenz geprägt ist. Er hat einen MFA der University of Illinois in Chicago und ist derzeit Mellon Assistant Professor of Digital Art and New Media an der Vanderbilt University.

Alice-XR: Eine Denkmaschine

Claudia Hart

Siehe Lobby-Schilder für Zeiten

Diese Installation besteht aus zwei VR-Welten, The Flower Matrix (2018) und Alice: A Machine For Thinking (2019). Beide kombinieren Realitäten, indem sie aufgenommene Live-Performances und Musik in einem künstlichen, algorithmischen Raum inszenieren. In einer einzigen Ausstellung sitzen zwei Betrachter Rücken an Rücken, jeder eingetaucht in eine parallele Darstellung, frei umherstreifend, intim, aber allein zusammen. Die Installation ist lose von Alice im Wunderland inspiriert und drückt Harts Vorstellung von der Bedeutung von VR selbst als Medium aus – ein Ort, der halb echt und halb falsch ist, an dem der Körper einen Raum einnimmt und der Kopf einen anderen – wie Lewis Carrolls Originalgeschichte, eine Welt der umgekehrten Logik, das perfekte Vehikel, um den Verstand, seine Wahrnehmungen und seine Vorurteile zu verwirren.

Claudia Hart ist eine frühe Anwenderin der virtuellen Bildgebung und nutzt 3D-Animationen, um Medieninstallationen und Projektionen zu erstellen, und später, als sie erfunden wurden, andere Formen von VR, AR und Objekten mit computergesteuerten Produktionsmaschinen, die alle auf demselben Computer basieren Modelle. An der School of the Art Institute of Chicago entwickelte sie ein pädagogisches Programm, das auf diesem Konzept basiert: Experimental 3D, das erste Programm, das sich ausschließlich der Vermittlung von Simulationstechnologien im Kontext der Kunstwelt widmet.

Ein anderer Blick auf die Welt: Einblicke in das Ann Arbor Film Festival

Die UM Library präsentiert eine kleine Ausstellung von AAFF-Ephemera, einschließlich Programmen, Postern, Fotos und Pat Olezskos Platten, die aus Universitäts- und AAFF-Sammlungen gesammelt wurden.

Cross Talk: Kunstfilme und Dokumentationen aus Taiwan und dem chinesischen Festland

Guo Zhen (China/USA)

He Chengyao (China)

He Yunchang (China)

Wang Qingsong (China)

Xie Sichong (China/USA).

Das chinesische Konzept von Ben Zun („der Erleuchtete“) bezieht sich auf den Zustand des Erwachsenseins mit einer surrealen Kraft. Dieser Aufstieg zum Ben Zun wird in diesen Künstlerfilmen ausgearbeitet. Das Publikum kann seine scharfen Sinne und Sensibilitäten spüren, wenn es darum geht, in einer turbulenten Zeit der Instabilität, Unsicherheit und Belanglosigkeit zu leben. Aus ihrer Perspektive entdecken wir die Repräsentation und Verwirklichung des Selbst-Werdens, verkörpert in den Motivationen, eine individuelle Identität mit Freiheit, Unabhängigkeit, Anerkennung, Vertrauen und Liebe zu suchen. Die Lebenserfahrungen dieser fünf Filmemacher aus Taiwan und Festlandchina vermischen sich mit sozialen, politischen und kulturellen Variationen, die sie dazu inspirieren, sich auf das unmittelbare Leben um sie herum zu konzentrieren. Der Dialog mit anderen oder sich selbst löst Begeisterung und Desillusionierung aus.

Organisiert von Fang Zhang, Kunstkritiker und Historiker, Hughes Fellow (2016–2017) und Center Associate des Lieberthal-Rogel Center for Chinese Studies an der UM.

Die Falte: ein Labyrinth

Alex M. Lee

Siehe Lobby-Schilder für Zeiten

Diese interaktive, auf Virtual Reality basierende Hypertext-Installation beinhaltet Räume mit Türen, die ein Konzept enthalten, das sich in andere Räume mit Türen faltet. Jeder Raum enthält eine Idee, die von strukturalistischer und surrealistischer Literatur, Mathematik, dem vorgefertigten virtuellen Objekt und mehr inspiriert wurde. Dieses Projekt ist eine rekombinatorische Erfahrung, bei der kein Durchspielen genau gleich ist. Einige Räume beinhalten Interaktion, andere nicht. Einige Räume sind Puzzle-Erlebnisse, während andere eher erfahrungsorientiert sind. Alle Räume folgen einem ähnlichen visuellen monochromen Motiv.

Alex M. Lee ist ein Künstler, der 3D-Animationen, Game-Engines und das Potenzial der Simulationstechnologie nutzt, um unser Verständnis von Zeit, Raum und Licht zu visualisieren und zu abstrahieren – indem er Konzepte aus Wissenschaft, Science-Fiction, Physik, Philosophie, und Moderne.

Unterwegs
Bewegtbildmacher-Kollektiv

Ein Tourneeprogramm mit Experimentalfilmen des in Scottish Borders ansässigen Moving Image Makers Collective. Als erstes selbstkuratiertes Filmprogramm von MIMC spricht On the Move von der Idee des Eingreifens – mit Hilfe des bewegten Bildes – in die unmittelbare Umgebung. Abwechselnd vorsichtig und selbstbewusst finden diese Werke Rhythmus, Musik und Bewegung in erworbenen Objekten, gefundenen Phänomenen und sogar Stille; jeder argumentiert auf seine Weise für die Umwelt als ein Konditionierungsinstrument: eine Art und Weise, mit der man über das Verhandeln der Welt nachdenkt, und die Grundlage für jede ästhetische Reaktion darauf.

Das Moving Image Makers Collective ist aus der Scottish Borders Community Filmmaking Initiative hervorgegangen, einer Reihe von Workshops, die 2014 von Alchemy Film & Arts durchgeführt wurden. MIMC-Mitglieder kommen aus den unterschiedlichsten Bereichen und umfassen Autoren, Dichter, Fotografen, Filmemacher, Dramatiker, Maler, und Mixed-Media-Künstler. Sie treffen sich monatlich, um neue Arbeiten für Peer-Feedback vorzustellen, ein fortlaufender und kollektiver Prozess der Erforschung des bewegten Bildes, der zu diesem neuen Programm geführt hat.

Schülerrollen

Arbeiten von Studenten des College for Creative Studies (Detroit, MI); Edge Hill University (Ormskirk, Großbritannien); das Department of Film, Television and Media der University of Michigan am College of Literature, Science and the Arts (Ann Arbor, MI); und die University of Michigan Penny W. Stamps School of Art and Design (Ann Arbor, MI).

Sie kamen zusammen, um heroische Gesten auszuführen (in einer Weise, die für sie von Bedeutung war)

Gordon Winiemko

Diese Videoinstallation simuliert mit 3D das Eintauchen in zwei scheinbar unterschiedliche Freizeitbeschäftigungen – politischen Protest und Cosplay –, um die Schnittmenge von politischem Handeln und performativer Fankultur zu untersuchen. Wir alle wollen ermächtigt werden, nicht wahr? Und was gibt es Schöneres, als sich als mächtiger Avatar zu „powern“? Der aufgewachte Aktivist … oder die Kriegerkönigin … singen, eine Faust hochhalten … oder eine talismanartige Waffe führen … und wenn wir unsere Identität einer Gruppe gleichgesinnter Menschen – einem Stamm – anvertrauen, wird dieses Gefühl der Entscheidungsfreiheit verstärkt. Und fühlen wir uns deswegen nicht so gut, so rechtschaffen?

Gordon Winiemko ist ein in Los Angeles lebender Künstler. Häufig erforscht seine Arbeit über das Medium der Leinwand den kulturellen Rahmen – diese „Dinge, die wir tun“, die manchmal so alltäglich sind, dass wir oft vergessen, wie sie unser Leben zum Guten oder zum Schlechten prägen.

 

Unsichtbare Instrumente

Matt Roberts und Terri Witek

Ein digitales Mikroskop und eine benutzerdefinierte Video-Mapping-Software ermöglichen es den Teilnehmern, mikroskopische Teile ihrer selbst in Verbindung mit kurzen poetischen Texten auf große architektonische Objekte zu projizieren und einen öffentlichen Raum mit einem ephemeren und intimen zu überschreiben.

Matt Roberts ist New Media Artist und Associate Professor of Digital Art an der Stetson University.

Terri Witek ist Autorin von sechs Gedichtbänden und hat den Sullivan Chair in Creative Writing an der Stetson University inne

Gedächtnis-Misstrauen

Sharon A. Mooney

Die prägenden Erinnerungen des Künstlers, die in diesen Hologrammen rekonstruiert werden, hinterfragen die Subjektivität der Geschichte. Die illusorische Natur des Gedächtnisses wird durch die Bildqualität verstärkt. Erholung kann das Original verdrängen, auch wenn der Künstler ermächtigt wird, als sein eigener Zeuge aufzutreten.

Sharon Mooney arbeitet in experimentellen, narrativen und dokumentarischen Porträts, die sich auf die Untersuchung des Begehrens und des menschlichen Zustands konzentrieren. Sie ist Fakultätsmitglied der School of Film and Television der Loyola Marymount University.

Was wir gesehen haben

Für Sie – das Publikum – stehen Blankokarten zur Verfügung, auf denen Sie auf- und abseits des Festivals aufschreiben können, was Sie auf dem Festival beobachten. Lassen Sie Ihre Karte in der dafür vorgesehenen Box an der What We Saw- Station, um sie zu fotografieren und der laufenden Diashow hinzuzufügen. Diese Präsentation ist eine experimentelle Remix-Dokumentation, die von Ihnen ermöglicht wurde: dem versierten, vielfältigen und experimentellen Film-begeisterten AAFF-Publikum. Alle sind eingeladen und ermutigt mitzumachen!

AUFFÜHRUNGEN, WORKSHOPS UND SALONS

Performance

Hündin, Donner!

Diese rein weibliche Drumline aus Toledo, Ohio, angeführt von der versierten Perkussionistin Jess Hancock, besteht aus acht Frauen, die sich der Inspiration von Musikerinnen verschrieben haben und gleichzeitig die Kraft des Schlagzeugspiels im öffentlichen Raum unter Beweis stellen. Zum Auftakt des diesjährigen Festivals bietet Bitch, Thunder! werden ihre perkussiven Klänge vor der ersten Vorführung vor dem Theater niederlegen.

 

Salonsitzung

Filmkunstforum

Bei dieser Veranstaltung im Pecha-Kucha-Stil präsentieren zwölf Filmemacher und andere Festivalgäste 20 Dias für jeweils 20 Sekunden, was zu einem Dutzend sechsminütiger Vorträge von Filmkünstlern führt. Die Themen variieren, wobei alle Präsentationen darauf abzielen, eine eingehende Erforschung des Kinos als Kunstform zu fördern und weitere Diskussionen anzuregen, die die AAFF-Community nähren.

Performanz

Geschenke/Präsenz

Pat Oleszko

Ausschnitte aus Pats vergangenen gefilmten Performances werden mit einer geschmeidigen, sartorial-prachtvollen Komponente gezeigt, um die ganze She-Bang zu verherrlichen oder zu erschrecken. Ein paar, die im Scherz auftauchen könnten, sind:

Darwins Albtraum: Die Not der nistenden Flaschenschildkröten : eine globale Warnung, die in der Nähe von Cape Canaveral, Florida, durchgeführt wurde; The Half-Astro-nuts Dilemma and To Air is Human das verbotene bemannte Mondmodul stürzt auf fremdem Territorium ab und die Astro-Nuss versuchen sich unterschiedlich anzupassen; Goldmen Sex, eine Beziehung endet kühn und böse; Kneeple at the Movies mit Kneel and Dimples eine kurze Suite; Odds at Sea Bahian Odyssey : Einige lokale Mythen werden von einer Boje zum Meer geführt, um zu sehen!

Siehe Präsentationen/Präsenz während der Live-Stream-Veranstaltung im Rahmen von Films in Competition 3 , Mittwoch, 25. März, 16:00 Uhr; Filme im Wettbewerb 6 , Donnerstag, 26. März, 18 Uhr; Filme im Wettbewerb 9 , Freitag, 27. März, 18 Uhr; und Filme im Wettbewerb 13 , Samstag, 28. März, 16 Uhr.

Live-Kinoaufführungen

ihre* Hände und seine Form

Sílvia das Fadas und Masha Godovannaya

In einer Doppelleinwand-Phantasmagorie beschwören wir vergangene und zukünftige Geister von Frauen herauf, die politisch Filme gemacht oder dem Film politisch ihre Präsenz gegeben haben. Wir weigern uns zu vergessen. Unsere Hände kratzten und schossen neue Bilder, während sie Bilder von anderen stahlen, in frischen und veralteten Filmbeständen. Unsere Hände entwickelten die Bilder im Dunkeln, im Negativen und Positiv, Schatten der Schatten. Unsere Augen weiteten sich angesichts der Spektralbilder, die auf der Oberfläche der Filmstreifen erscheinen, und jedes Mal werden unsere unruhigen Hände eingreifen und diese Bilder auf dem Bildschirm mit Farbe und Licht beleuchten. An den Geistern in den Maschinen führt kein Weg vorbei; In Momenten von gespenstischer Lebendigkeit wie diesem ist alles dazu verdammt, zu verschwinden und in anderen Formen zurückzukehren.

Sehen Sie ihre* Hände und seine Form während des Livestreams im Rahmen von Films in Competition 4, Mittwoch, 25. März, 18:00 Uhr.

Masha Godovannaya ist bildende Künstlerin, experimentelle Filmemacherin und queer-feministische Forscherin. Mashas künstlerische Praxis nähert sich Kunstproduktion als künstlerische Forschung und kollektive Aktion und greift auf Kombinationen von Ansätzen und Sphären wie Bewegtbildtheorie, experimentelles Kino und DIY-Videotradition, Sozialwissenschaft, Queer Theory, dekoloniale Methoden und zeitgenössische Kunst zurück.

Sílvia das Fadas ist Filmemacherin, Forscherin, Lehrerin, Wanderin. Sie interessiert sich für die Politik, die filmischen Praktiken immanent ist, und für das Kino als eine Art des Zusammenseins in Rastlosigkeit und Zerbrochenheit.

Der kranke Sinn, Teil 2: Der siebte Sinn

Brent Coughenour

Aufbauend auf Forschungen von Diana Deutsch, Alfred Bregman, Maryanne Amacher und anderen ist The Sick Sense ein fortlaufendes Projekt, das die Grenzen des Wahrnehmungssystems erforscht. Diese Projekte stimulieren otoakustische und flackernde Phänomene sowie auditive und visuelle Halluzinationen, während sie nach Reizmustern suchen, die das Standardmodusnetzwerk des Gehirns deaktivieren und das Gehirn in die Rolle des ekstatischen Wahrnehmenden schalten.

Brent Coughenour ist ein Medienkünstler, der ursprünglich aus Detroit stammt und derzeit in Kalifornien lebt. Seine jüngsten Arbeiten umfassen Computerprogrammierung zur Live-Manipulation von Ton und Bild. Er hat seine Arbeiten auf einer Vielzahl von Festivals und Veranstaltungsorten in den USA und international präsentiert.

Salonsitzung

Latinx lebte Realitäten durch neue Medien

Joey Lopez und Jonathan Guajardo

Latinx Lived Realities Through New Media hebt die Arbeiten von Latinx-Studenten hervor und gibt der Filmgemeinschaft einen Einblick in die gelebte Realität studentischer Filmemacher.

Joey Lopez ist Direktor des Media Lab der Abteilung für Kommunikation bei Texas A&M. Er ist ein interdisziplinärer Künstler und professioneller Mediengestalter, dessen akademischer Fokus die Förderung von Ideen und Projekten der nächsten Generation ist.

Performance

Schlammsaison

Sean Clute und Otto Müller

Jedes Frühjahr schmilzt der Schnee. Seine kristalline Formation aus Sechsecken löst sich auf und die Erde taucht auf: Schlamm. Schlamm ist ein Zwischenstadium, eine Mischung aus organischem und anorganischem Material, ein Grenzraum zwischen geologischen Prozessen und biologischem Verfall, ein Ort der Möglichkeiten. Mud Season ist eine audiovisuelle Performance mit handgezeichneten Animationen, interaktivem Video und Sound. Optisch reist die Arbeit unter dem Frühlingsmond, während der Schnee schmilzt und enthüllt, was darunter verborgen ist. Die Performance feiert das Wachstum und beinhaltet eine Kreatur, die aus dem Schlamm auftaucht, eine Explosion von Regenbögen und eine sich ausdehnende Sonnenkugel. Die Arbeit verwendet maßgeschneiderte Software, einen MIDI-Controller, verschiedene Zeichengeräte und Videoprojektion.

Sean Clute ist ein Künstler, der mit Video, Sound und Performance experimentiert. Seine Arbeiten wurden in The Kitchen, MuseumsQuartier Wien, Shenzhen Museum of Contemporary Art und beim Autonomous Mutant Festival präsentiert. Clute lebt in Vermont, wo er außerordentlicher Professor für Medienkunst an der Northern Vermont University ist.

Otto Muller ist Komponist, Pädagoge und interdisziplinärer Künstler. Seine Kammermusikwerke wurden international auf Festivals aufgeführt. Muller leitet das Socially Engaged Art BFA-Programm am Goddard College in Vermont, wo seine Forschungsinteressen interkulturelle Ästhetik und kritische Kunstpädagogik umfassen.

Performance

Zwei Schritte auf dem Wasser

Angelo Madsen Minax

Ein allwissender musikalischer Erzähler gibt einen Einblick in das Leben zweier heranwachsender Jungen, die ringen, Steine ​​in Schwimmlöcher werfen und die sozialen Medien nutzen, um sich in ihrer kleinen Flussstadt die Zeit zu vertreiben.

Siehe Zwei Schritte auf dem Wasser   während des Livestreams im Rahmen von Films in Competition 5: Out Night, Donnerstag, 26. März, 16 Uhr.

Angelo Madsen Minax ist Filmemacher, Performer und bildender Künstler. Minax' Projekte erforschen komplexe queere Intimitäten, ausgewählte und biologische Verwandtschaften und die Beziehungen, die zwischen Landschaft und Verkörperung entstehen. Seine Werke wurden in Räumen wie dem Museum of Contemporary Art Chicago, dem Museum of Fine Arts Houston, dem European Media Art Festival, dem Ann Arbor Film Festival, den Anthology Film Archives und dem British Film Institute gezeigt und/oder ausgestellt.

Salonsitzung

Crowdfunding zum Aufbau von Unabhängigkeit

Samen&Funke

Seed&Spark verbindet Menschen durch Geschichten, die von Bedeutung sind. Seit 2012 hat ihre Plattform Tausenden von YouTubern geholfen, Geschichten zum Leben zu erwecken und dem Publikum durch geschichtenzentriertes Crowdfunding, Streaming auf der Plattform, Live-Community-Events und Arbeitsplatzprogramme, die eine Kultur der Vielfalt und Inklusion fördern, zu vermitteln. Im Mittelpunkt ihres Crowdfunding to Build Independence-Workshops steht das Engagement, Schöpfer mit ihrem Publikum zu verbinden. Es beschreibt die Schritte zu einer erfolgreichen Crowdfunding-Kampagne sowie einen karrierelangen Aktionsplan, der höchstwahrscheinlich eine dauerhafte, blühende und direkte Beziehung zu Ihrem Publikum schafft. Sie erfahren, wie Sie Ihr Publikum finden und aktivieren, Ihre Crowdfunding-Kampagne und Ihr Pitch-Video strukturieren, das richtige Ziel und die richtigen Anreize auswählen und vieles mehr über die Vermarktung der Kampagne hinaus. Denn schließlich geht es nicht nur um Crowdfunding, sondern um Karriereaufbau. Hier beginnt Ihre Karriere!

Salonsitzung

Cross Talk: Kunstfilme/Dokumentarfilme aus Taiwan und dem chinesischen Festland

Moderiert von Fang Zhang

Gefördert von: UM Lieberthal-Rogel Zentrum für Sinologie

Dieses Panel wird sowohl taiwanesische als auch festlandchinesische Videokunstwerke und Dokumentarfilme sowie aktuelle historische Entwicklungen diskutieren. Es wird auch untersucht, wie Künstler und Regisseure analysieren, wie sich die Imitation unterschiedlicher Identitäten und das Streben nach individuellem Empowerment auf die Bewusstseinsbildung für kulturelle und soziale Veränderungen auswirken. Die Michigan State Professorin Tze-lan Sang und die UM-Stipendiatin Fang Zhang werden untersuchen, wie Gender, Männlichkeit und Weiblichkeit sowie das Selbstsein in den Werken von taiwanesischen Dokumentarfilmern bzw. Videokünstlern vom Festland verkörpert und dargestellt werden. Der Filmkritiker Wood Lin wird historische Hintergründe für die sozialen und wirtschaftlichen Impulse geben, die den Aufstieg des dokumentarischen Kunstfilms in Taiwan und Festlandchina beeinflusst haben. Auf diese Präsentationen folgt jeweils ein Crosstalk mit Anne Rebull im Gespräch mit Fang Zhang und Guo Zhen, Zheng Wang im Gespräch mit Tze-lan Sang und UM-Professor Markus Nornes im Gespräch mit Wood Lin und Akiyama Tamako.

Fang Zhang hat einen MA in Friedensstudien der University of Notre Dame und einen MA in Übersetzung für Diplomatie und auswärtige Angelegenheiten des Foreign Affairs College. Sie war 2016-17 Hughes Scholar am Lieberthal-Rogel Center for Chinese Studies der University of Michigan. In den letzten drei Jahren lehrte sie über zeitgenössische chinesische Kunst an der University of Michigan und organisierte Ausstellungen und Symposien sowie Filmvorführungen. Ihre aktuelle Forschung beschäftigt sich mit den Auswirkungen der Kulturpolitik in China nach den 1970er Jahren auf den Aufstieg der zeitgenössischen Kunst.

Live-Kinoaufführung

Emotionen in Metall

Tommy Becker

Dieses visuelle Album, das in acht Vignetten unterteilt ist, verbindet Video, Musik, Poesie, Performance und computergeneriertes Design. Thematisch knüpfen die Kurzarbeiten an die Untersuchungen der Künstlerin zu Mensch-Fahrzeug-Beziehungen an. Ob lehrreiche Poesie in der Garage, Dokumentation des Innenraums fremder Autos oder zelebrierte Kunstweltverbindungen zur Straße – die Arbeit balanciert spielerischen Humor mit einem kritischen Blick darauf, wo die Gesellschaft gerade geparkt ist.

Sehen Sie Emotions in Metal während des Live-Streams im Rahmen von Films in Competition 8, Freitag, 27. März, 16 Uhr.

Als Dichter, der in einem Camcorder gefangen ist, speist Tommy Becker weiterhin seine Videos, Musik und Gedichte in seine nie endende Saga TAPE NUMBER ONE ein. Beckers Einkanalwerke werden oft in Live-Kinoaufführungen übersetzt. Seine Arbeiten wurden national und international gezeigt. Seit 2004 arbeitet er als Kunstvermittler in San Francisco.

Erweiterte Kinoleistung

Eine kurze Geschichte des amerikanischen Fortschritts

Kit Young

Diese Arbeit des erweiterten Kinos entsteht durch Live-Improvisation innerhalb der Videosynthese- und Feedbacksysteme des Künstlers. Kernstück dieser Systeme ist ein Video-Diorama. Es ist ein tragbares Gerät, das mehrere Kameras und Bildschirme verwendet, um Rückkopplungsschleifen aufzubauen. Seine Robotersteuerungssysteme ermöglichen es dem Künstler, skulpturale Objekte innerhalb der Feedback-Signalströme in Bewegung zu setzen und so eine dynamische Symbiose zwischen der inhärenten Symbolik, die die Objekte umgibt, und der generativen, aber rekursiven Natur von Video-Feedback-Bildern herzustellen.

Sehen Sie A Concise History of American Progress während des Livestreams im Rahmen der Afterparty am Freitag, 27. März, 20:00 Uhr.

Kit Young produziert Video- und Performancekunst. Er baut Videosysteme, die improvisatorisch abgespielt werden können. Er tritt zusammen mit anderen Künstlern auf, um erweiterte Kinoveranstaltungen zu schaffen. Aus experimentellen Studiosessions werden Videoessays. Obwohl seine Arbeit neue Medientechniken verwendet, basiert seine Praxis auf den Themen Wahrnehmung, Bewusstsein, soziale Gerechtigkeit und Humor.

Salonsitzung

Inside Out: Film als Medium zur Erforschung psychischer Erkrankungen

Michaela Grill, Ian Gold, Lawrence Joseph

Diese Präsentation stellt ein kunstbasiertes Forschungsprojekt der McGill University in Montréal, Kanada, vor, bei dem Filmemacherinnen mit psychischen Problemen gebeten wurden, Filme über sie zu drehen. Ziel war es herauszufinden, ob Filme ein anderes Wissen generieren als übliche wissenschaftliche Ansätze zur psychischen Gesundheit. Der entwickelten Methodik gelang es, Kunstwerke zu generieren, Forschungsergebnisse zu produzieren und den Nachweis zu erbringen, dass Forschung, die durch eine Zusammenarbeit von Künstlern und traditionellen Forschern entwickelt wurde, möglich ist.

Ian Gold ist ein Philosoph, dessen Werk sich mit theoretischen Problemen in der Psychiatrie befasst. Michaela Grill ist eine professionelle Filmemacherin mit Interesse an der Gesundheit von Frauen. Lawrence Joseph ist quantitativer Epidemiologe und Biostatistiker mit Interesse an Kunst.

Werkstatt

SCHLEIFEN 2020

Pickle Fort Filmkollektiv

Hands-on 16-mm-Loop-Making-Workshop mit Tonstationen und Montessori-Anleitung. Machen Sie mit uns Live-Kino!

Das Pickle Fort Film Collective produziert und zeigt seit fünf Jahren handgemachte 16mm Loops und Sounds. Sie treffen sich jeden Donnerstag in Grand Rapids zu einem Montessori-trifft-Live-Kinoerlebnis.

Erweiterte Kinoleistung

Spektrale Landschaft

Luis Macias

Eine Landschaft. Ohne Farbe und Bewegung. Nur eine Landschaft. „In diesem schönen Moment zwischen Realität und Traum taucht ein körperloses Tier aus Dunkelheit und Licht auf. Dunkel, gewalttätig und selbstbewusst teilt es seine Ängste vor der Verzweiflung der Natur. Aber keine Angst – es ist ein Tier wie Sie. Hast du es gesehen? Wach auf und öffne deine Augen.“

Luis Macias ist Künstler, Filmemacher und Bildkomponist. Konzentriert auf experimentelle und prozedurale Praktiken des analogen Bildes, sind seine Arbeiten in Super 8,16mm, 35mm und Videoformaten für Projektion, Performance oder Installation komponiert. Seine Filme und Expanded Cinema-Arbeiten wurden auf der ganzen Welt gesehen.

Liveauftritt

David Olson mit BLJC-Musikern

Der Multimedia-Künstler David Olson kehrt für einen besonderen Abend der audiovisuellen Zusammenarbeit mit dem Musikdirektor des Blue LLama Jazz Club, Dave Sharp, zum Festival zurück. Olson bringt seine Defragmentierungsästhetik ein, neue, unerwartete Ganzheiten aus scheinbar unterschiedlichen Teilen zu schaffen, und schafft ein einzigartiges Live-Kinoerlebnis, indem er Bilder aus seinen über 30 Jahren als bildender Künstler sowie Fragmente von Archivfilmen und Medien von Mitarbeitern aus der ganzen Welt mischt , darunter Iran, Palästina, Frankreich, Thailand, Israel und Mönche aus dem Zen-Buddhismus-Kloster Plum Village und dem International Mindfulness Center.

Salonsitzung

Was zur Hölle war das?

Moderiert von Daniel Herbert

Diese Podiumsdiskussion ist seit mehr als einem Jahrzehnt ein Favorit des Ann Arbor Film Festivals. Es begann, als ein Filmemacher hörte, wie ein Zuschauer sagte: „Was zum Teufel war das?“ nachdem er seinen Film gesehen hat. Es entstand eine aufschlussreiche Diskussion und die Idee für das Panel war geboren. Besuchen Sie Filmemacher und andere besondere Gäste, um drei kurze Experimentalfilme aus dem diesjährigen Festivalprogramm zu sehen und zu diskutieren.

Daniel Herbert ist Medienwissenschaftler und außerordentlicher Professor am Department of Film, Television, and Media Arts am College of Literature, Science, and the Arts der University of Michigan.

Erweiterte Kinoleistung

Funktioniert auf Weiß

SpOp (Marit Shalem) und Abzeichenträger (Tony Kennedy)

Works on White ist eine audiovisuelle Collage aus gesammelten Quellen und Aufnahmen sowie literarischen Referenzen. Es improvisiert über Interpretationen von Weiß, das entweder als erhabene oder bösartige Kraft angesehen wird. Die Aufführung reflektiert die Art und Weise, wie sich die Geschichte als ein Zurück in die Zukunft wiederholt. In Zeiten, in denen der soziale Zusammenhalt rund um den Globus bröckelt, sehen wir eine reaktionäre Tendenz in Regierungen und auf den Straßen. Gleichzeitig schreitet eine Bewegung voran, die eine Chance wahrnimmt, um neue Konnektivität und soziale Strukturen zu etablieren.

Sehen Sie Works on White während des Live-Streams im Rahmen der Afterparty am Sonntag, 29. März, 19 Uhr.

Tony Kennedy ist Gründungsmitglied und heute einzig verbliebenes Mitglied der Jazz-Punk-Band Badgewearer.

Marit Shalem ist eine Künstlerin, die Zeichnungen und experimentelle Videoarbeiten produziert, Meisterschülerin der Künste in Berlin wurde und seit 2000 in Rotterdam lebt.

SONDERPROGRAMME

Frauen machen Filme: Sweet Bananas und The Women's Happy Time Commune
Kuratiert von Ariel Dougherty

In diesen feministischen Werken von Ariel Dougherty und Sheila Paige arbeiten Nicht-Schauspielerinnen in ungeschriebenen, locker strukturierten Handlungssträngen zusammen, um imaginäre Selbst zu spielen. Mit einer von Frauen geführten Crew und einer frauenzentrierten Besetzung fangen die Filme das Aufflackern des frühen Feminismus auf lustige und überraschende Weise ein. Die Filme wurden 1970 und 1971 unter dem 1969 gegründeten Kollektiv Women Make Movies gedreht. Andy Warhol prägte den Stil der Filme von Dougherty und Paige in diesem Programm stark.

Ariel Dougherty ist Lehrerin, Filmemacherin, Produzentin, Mentorin und Fürsprecherin für von Frauen geleitete Medien und Kultur aller Couleur. Sweet Bananas (Regisseurin, 1973) und !Women Art Revolution (Produzentin, 2010) gehören zu den Hunderten von Filmen, an denen sie mitgearbeitet hat. Sie schreibt an den Schnittstellen von frauenidentifizierten Medien, insbesondere Filmproduktion und Mediengerechtigkeit, Frauenrechten und Medienförderung. Sie arbeitet an einem neuen Werk, Running Dogs. Derzeit schreibt sie an einem Buch, Feminist Filmmaking Within Communities, über 25 mädchenzentrierte zeitgenössische Filmlehrprogramme in den USA mit einem Rückblick auf parallele Aktivitäten in den 1970er Jahren.

Eye Filmmuseum präsentiert Disquiet American: The Animated Collage Films of Martha Colburn
Kuratiert von Simona Monizza und Marius Hrdy

Die Filmemacherin, Künstlerin und Animatorin Martha Colburn schafft Arbeiten, die sowohl biografisch als auch autobiografisch sind. Ihre Animation zeigt konfrontative Bilder, Jump Cuts, Klangverzerrungen, Found Footage, Collagen und direkte Manipulation des Filmmaterials. Sie nutzt Musik als Inspiration, deren chaotische Energie ihre Filme unterstreicht. Historische Eckpfeiler werden verwendet, um eine künstlerische Reflexion über den Imperialismus und die zersetzende Wirkung des Kapitalismus auf den sozialen Zusammenhalt in den Vereinigten Staaten anzubieten. Dieses Kompilationsprogramm präsentiert Colburns Werk in analoger und digitaler Form, mit neuen Restaurierungen und Digitalisierung.

Um die Lautsprecherserie von Penny Stamps online zu sehen, klicken Sie bitte hier, um sie anzusehen: vimeo.com/402163907
Dieses Video erfordert das folgende Passwort: colburn2020 Verfügbar 30. März - 8. April 2020

Für dieses Programm möchten wir den wertvollen Beitrag des Anthology Film Archive anerkennen.

Simona Monizza ist Kuratorin für Experimentalfilm am Eye Filmmuseum in Amsterdam, wo sie für die Archivierung, Konservierung, Erforschung und Präsentation der Experimentalfilmsammlung verantwortlich ist. Nach ihrem Abschluss an der Selznick School of Film Preservation im George Eastman House im Jahr 1998 arbeitete sie am BFI und kam 2000 als Filmrestauratorin und dann als Collection Specialist zu Eye. Derzeit konzentriert sie sich auf die Erhaltung und Förderung von experimentellen Filmen von Frauen.

Marius Hrdy ist Kulturarbeiter, Filmprogrammierer und Autor. Er ist Programmierer des Alchemy Film and Moving Image Festival und hat kürzlich zusammen mit Eye eine historische Retrospektive zum niederländischen experimentellen Filmschaffen mitkuratiert, die im Österreichischen Filmmuseum in Wien uraufgeführt wurde. Seine Texte erschienen in Brooklyn Rail, Kino!, Jigsaw Lounge und Jugend ohne Film. Er ist aktives Mitglied des Kinokollektivs Filmhuis Cavia in Amsterdam.

Women Make Movies Workshop Filme: Community Women at Women Make Movies erzählen universelle Filmgeschichten

kuratiert und präsentiert von
Ariel Dougherty

1969 gründeten die Filmemacher Ariel Dougherty und Sheila Paige Women Make Movies, eine gemeinnützige Organisation, die einen Community-Media-Workshop für Frauen im Stadtteil Chelsea in Manhattan einrichtete. Sekretärinnen, Hausfrauen und Rentner kamen in die WMM-Werkstatt, um Filme zu drehen, kurze Schwarzweißfilme, die ohne Ton auf einer aufziehbaren Bolex gedreht wurden. Die präsentierten Geschichten sind persönlich und doch universell und spiegeln die vielfältigen Erfahrungen der Frauen wider.

Willkommen bei Commie High
Donald Harrison
Ypsilanti, MI | 2020 | 93 | Digital
Weltpremiere
Welcome to Commie High untersucht ein Experiment in der öffentlichen Bildung – Ann Arbors Community High School – von seinen humanistischen, anti-establishmentalen Ursprüngen in den frühen 70er Jahren bis zu seinem Überleben in den 90er Jahren, als die plötzliche Nachfrage nach dieser alternativen, kleinen Schule zu einem Phänomen der Linien, Camping und Lotteriesysteme. Als eine der wenigen verbliebenen öffentlichen Schulen dieser Welle der freien Schulbewegung sehen wir, wie sich das Modell „Commie High“ entwickelt hat und weiterhin die Welt um sich herum widerspiegelt.

Weitere Informationen zu einer Sondervorführung von Welcome to Commie High finden Sie im Blog-Beitrag .

Filmen im Dunkeln: Frühe Experimente aus Taiwan

kuratiert von Markus Nornes und Wood Lin

mit Unterstützung des Taiwan Film Institute und Taiwan Docs an die AAFF gebracht

Filming in the Dark: Early Experiments from Taiwan besteht aus einer Auswahl neu entdeckter Experimentalfilme aus dem Taiwan der 1960er Jahre. Die Moderne traf verschiedene Teile Asiens ungleichmäßig. In der Kunstwelt wurde ihre volle Kraft zuerst durch den Vorkriegskolonialismus und dann durch die Nachkriegsdiktaturen abgeschwächt. Als die amerikanische Experimentalszene 1963 lebhaft genug war, um die Gründung eines Festivals wie AAFF zu unterstützen, waren taiwanesische Künstler dem Kriegsrecht unterworfen und wussten nur durch Lesen, Mundpropaganda und Reisen von diesen Entwicklungen. Inspiriert von den Gegenkulturen, von denen sie nur gehört hatten, begannen Gruppen junger Künstler, eine experimentelle Filmkultur zu kreieren, die aus ihrer Vorstellungskraft konstruiert wurde. Sie drehten experimentelle Dokumentarfilme über ihre Welt, Animationsfilme, Spielfilme und sogar erweiterte Kinoarbeiten mit mehreren Leinwänden und helmmontierten Projektoren. Die meisten dieser Filme sind verloren. Durch die gemeinsame Anstrengung des Taiwan International Documentary Film Festival (TIDF) und des Taiwan Film Archive wurde jedoch eine Auswahl dieser frühen Experimente aus Schränken, Garagen, Koffern und staubigen Regalen geborgen. Das Ann Arbor Film Festival ist stolz darauf, eine Auswahl dieser lange verschollenen Filme zu präsentieren. Wood Lin, Programmdirektor von TIDF und einer der Leiter des Teams, das diese unbekannte Geschichte erforscht hat, stellt das Programm vor.

Markus Nornes ist Professor für asiatisches Kino an der University of Michigan. Die meisten seiner Arbeiten beziehen sich auf das japanische Kino, insbesondere auf die dokumentarische Tradition. Er hat zahlreiche Veröffentlichungen zum japanischen Pink Film, zum koreanischen Hallyu, zum taiwanesischen Kino, zu chinesischen Filmfestivals und zur Filmübersetzung veröffentlicht. Sein neuestes Buch ist ein Mitherausgeber der japanischen Filmtheorie.

Wood Lin wurde 1981 in Taiwan geboren, absolvierte seinen Master in Sound and

Bildmanagement an der National University of Tainan Department of Fine Arts im Jahr 2006. Er war Juror für viele internationale Filmfestivals, darunter DMZ International

Documentary Film Festival (Südkorea), International Film Festival Rotterdam (Niederlande), Ji.hlava International Documentary Film Festival (Tschechische Republik), Dokufest (Kosovo), Hong Kong International Film Festival, Golden Horse Film Festival and Awards (Taipei), und das Taipeh Filmfestival. Seit 2013 arbeitet er am Taiwan Film Institute als Programmdirektor des TIDF.

Screendance

kuratiert und präsentiert von Terri Sarris und Peter Sparling

Inspiriert vom 75-jährigen Jubiläum von Maya Deren und Talley Beattys bahnbrechendem Tanzfilm Choreography for Camera (1945) und zur Feier der weltweiten Verbreitung des Tanzes auf Kamerafestivals führt die AAFF ein Programm mit Screendances in das Festival ein. Diese Werkauswahl bietet einen retrospektiven Überblick über die hybride Form, von Ed Emshwillers Thanatopsis, der 1963 in der ersten AAFF gezeigt wurde, bis hin zu neueren Arbeiten, die in Großbritannien, Kongo, Israel, Kanada und Detroit gedreht wurden. Kuratiert von Terri Sarris (UM Film-, TV- und Medienabteilung) und Peter Sparling (emeritierter Professor, Abteilung Tanz), beides lokale Medienkünstler und ein langjähriges Lehrteam des interdisziplinären Screendance-Studiengangs der UM.

Terri Sarris unterrichtet an der UM Medienproduktion, darunter Kurse zu Screendance und AAAF. Sie unterrichtete (zusammen mit Markus Nornes und dem Filmemacher Kazuhiro Soda) einen Kurs für Dokumentarfilme im direkten Kino und produzierte The Big House, einen abendfüllenden Film über das Michigan Stadium, der national und international gezeigt wurde. Sie erstellt weiterhin Filme und digitale Medien, von denen viele bei der AAFF gezeigt wurden. Sarris war Jurorin und Moderatorin beim Traverse City Film Festival und Kuratorin und Jurorin von Screendance-Programmen für das Echo Park Film Center, das Mini Microcinema in Cincinnati und das Detroit Dance Film Festival.

1998 erhielt Peter Sparling den Michigan Artist Award des Governors. Er ist Rudolf Arnheim Distinguished University Professor Emeritus of Dance und Arthur F. Thurnau Professor Emeritus an der University of Michigan. Als Absolvent der Interlochen Arts Academy und der Juilliard School tanzte Sparling mit den Kompanien von José Limón und Martha Graham. Von 1993 bis 2008 leitete er Michigans eigene Peter Sparling Dance Company. Seine Videotänze wurden für das New York Dance on Camera Festival, das InShadow Festival in Lissabon, das Court Métrage/Cannes Film Festival, DANCE:FILMS Glasgow, das ADF Dance Film & Video Festival und das Ann Arbor Film Festival ausgewählt.

Ungesehene Migrationen

kuratiert und präsentiert von Jacob D. Barreras und Deborah Greer

Counterpath Press und das Unseen Festival erkunden neue Definitionen von Experimentalfilm, Schreiben, Bewegung und Performance und präsentieren Unseen Migrations, wobei sie sich auf die Vorstellungen des Widerständigen, des Ausgeschlossenen und des Unerkannten beschwören. In der Verflechtung von fünf Filmen, drei Bewegungsperformances, Gesang und Spoken Word kollidieren physische und metaphysische Elemente und bilden eine Explosion aus Kunst, Licht und Sound. Von Colorado geschaffene und inspirierte Kunstwerke beschwören und vermischen sich auf der Bühne und auf der Leinwand, um eine zusammenhängende und erlebnisreiche Theaterdarstellung zu schaffen.

Jacob D. Barreras ist Experimentalfilm- und Videovorführer und Filmprogrammierer. Er hat eine einzigartige Leidenschaft für die Programmierung von Filmen neuer und aufstrebender Filmemacher sowie für Werke aus der gesamten Geschichte des Avantgarde-Kinos. Er ist Filmkurator für das Unseen Festival sowie wissenschaftlicher Leiter des Department of Cinema Studies & Moving Image Arts der University of Colorado.

Deborah Greer, die derzeit in Denver, CO, lebt, ist Kunstunternehmerin mit einer Leidenschaft für experimentelles Kino.